Locais, festivais e músicos enfrentam um futuro precário, mas poderia o Covid-19 ser um catalisador da reforma em uma indústria que subestima seriamente seus artistas?

Por volta das oito horas da noite de 12 de março, Simon Rattle subiu ao palco do Berliner Philharmoniker para um silêncio sinistro. Foi sua performance de retorno com a orquestra que ele liderou como maestro chefe por 16 anos, antes de retornar a Londres em 2018. Os músicos subiram no palco, mas os assentos ao redor estavam vazios.

Via Squire UK

Rattle virou-se, olhou para a lente de uma câmera e dirigiu-se a uma audiência global de milhares de pessoas que estavam assistindo em casa, confinadas. “Senhoras e senhores, boa noite, onde quer que estejam.” Sob seus cabelos grisalhos, ele parecia um pouco confuso. “Vamos apenas confirmar que isso é muito estranho. Acho que muitos de nós no palco já tiveram experiência em shows de música contemporânea para o que poderíamos chamar de público pequeno, selecionado, mas pelo menos sempre havia alguém para assistir.”

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Os músicos atrás dele riram um pouco sem jeito. “Mas nós sentimos que devemos enviar um sinal ou um lembrete, se você preferir, de que, mesmo em tempos de crise, as artes e a música são extremamente importantes, e se nosso público não pode vir até nós, devemos alcançá-lo em qualquer maneira que pudermos. E, francamente, se todos nos acostumarmos a viver mais separadamente por um tempo, precisaremos de música mais do que nunca.”

Ele se virou, fechou os olhos por um momento e depois levantou o bastão.

Foto: Stephan Rabold

Foto: Stephan Rabold

Lembra de shows? Lembra-se da alegria absoluta de ficar ombro a ombro com estranhos gritando e suando? Ou ser mergulhado em algum líquido jogado de algum lugar atrás de você, esperando que fosse cerveja? Os shows terríveis em que a banda tocou apenas músicas novas? Os shows que mudaram sua vida onde a banda tocou as músicas que você ama, e parecia que eles estavam tocando para você? Você se lembra do barulho, das luzes e da cerimônia de tudo isso?

Tudo acabou agora, aparentemente indefinidamente. O Covid-19 matou o que a Lei de Justiça Criminal e Ordem Pública anti-delírio não fez, o que os idosos do filme Footloose não puderam. No momento, a idéia de respirar o mesmo ar corporal de centenas de estranhos é tão atraente quanto lamber a maçaneta de um hospital. Então, por enquanto, sentamos em casa e ouvimos nossos álbuns favoritos no Spotify, vasculhamos o vinil antigo, sintonizamos shows transmitidos e imaginamos se uma lata quente de cerveja pode fazer com que pareça um pouco mais com a coisa real.

[blockquote style=”3″]“Não havia nenhuma eventualidade que eu alguma vez imaginei em que todos os shows ao vivo no mundo seriam exibidos simultaneamente”[/blockquote]

Enquanto esperamos, a música está morrendo. E se não tomarmos cuidado, pode não haver uma cena ao vivo quando a pandemia terminar. A indústria da música está acostumada com os ventos contrários, mas a natureza indiscriminada do Covid-19 apagou as luzes da noite para o dia. Nenhum gênero é seguro, nenhum preço de ingresso ou tamanho do local protege contra as consequências. “Gosto de planejar eventualidades”, diz Alex Hardee, agente de reservas da agência global Paradigm, que conta com centenas de clientes como Ed Sheeran, My Chemical Romance e FKA Twigs. “Mas não havia nenhuma eventualidade que eu alguma vez imaginei em que todos os shows ao vivo no mundo seriam exibidos simultaneamente.”

A indústria global de música ao vivo vale cerca de US $ 30 bilhões a cada ano. Ou melhor, valia. Em questão de semanas, o Covid-19 encerrou tudo, desde shows de bares a festivais. E, ao fazer isso, também tornou aparente a forma desigual da indústria da música moderna, na qual os artistas são pagos para se apresentar, mas muitas vezes quase nada para a música que gravam.

Um dos truques da era do streaming foi que, embora o Spotify possa ter destruído a renda que você gera com os discos, torna mais fácil para as pessoas encontrarem sua música. Isso aumenta o seu público ao vivo, que é onde você ganha seu dinheiro. Agora, com o público ao vivo em zero, esse acordo parece cada vez mais impraticável.

O que resta é um oceano de músicos querendo, mas incapazes de trabalhar, e uma infra-estrutura circundante de gravadoras, distribuidoras, lojas de discos, locais de música e diretores de turnê que enfrentam uma situação precária para a qual nada poderia tê-los preparado. A única coisa que parece clara é que, independentemente da versão da indústria da música que surgir, ensangüentada, dessa pandemia, ela terá pouca semelhança com a que veio antes.

[blockquote style=”3″]”É um jogo de volume e apenas os melhores artistas geram fluxos suficientes para se sustentar.”[/blockquote]

Nas últimas duas décadas, a turnê substituiu as vendas de discos como a maneira como os artistas ganham a vida. O streaming aumentou a economia de uma indústria que foi construída com base na venda de discos e, 14 anos após a fundação do Spotify, os números ainda não somam. As empresas de streaming pagam apenas uma fração de um centavo por faixa e, dependendo das especificações do acordo assinado, a maior parte desse dinheiro – às vezes até 80% – flui diretamente para as gravadoras, deixando aos artistas uma pequena fatia modesta. Enquanto isso, as vendas físicas estão em declínio, e outros meios de renda, como vendas de mercadorias, não são confiáveis. É um jogo de volume e apenas os melhores artistas geram fluxos suficientes para se sustentar.

Para os artistas, o dinheiro vem em ciclos. Quando eles estão escrevendo e gravando um álbum, a gravadora adianta seus fundos. Quando é lançado, há um aumento nos lucros, muitos dos quais retornam à gravadora para pagar o adiantamento. Eles saem em turnê e tocam em festivais, que arrecadam mais dinheiro, além de vender uma grande quantidade de mercadorias. Então o foco começa a desaparecer e volta ao estúdio, com outro adiantamento, para iniciar o processo novamente.

[…]

Quanto mais nichado o artista, mais nítido é o problema. Para muitos DJs, para quem ‘fazer turnês’ na Europa é tão simples quanto pular em um avião com uma sacola de discos, é difícil ganhar dinheiro com streaming ou vendas físicas, pois a música gravada é apenas uma ferramenta de marketing – faça sucesso e obtenha mais dinheiro.

Artistas como Thibaut Machet, um DJ francês com sede em Berlim, passam a vida voando de boate em boate, fazendo dois ou três shows no fim de semana. Os cachês variam de € 500 a € 1.500 (£ 430 a £ 1300) por apresentação, menos voos e taxas de reserva, mas com clubes em todo o mundo fechados, esse número caiu para zero da noite para o dia.

DJ Thibaut Machet

Machet foi forçado a procurar ajuda do governo alemão. Um subsídio cobre o aluguel de alguns meses, mas ele não sabe quando começará a receber dinheiro novamente. “Você precisa colocar dinheiro para um lado, mas hoje é difícil economizar”, diz ele. “As pessoas pensam que ganhamos muito, mas a realidade não é assim para muitos DJs do meu nível.”

O DJ e escritor britânico Bill Brewster voltou-se para o streaming, na tentativa de preencher a lacuna, buscando doações para sets tocados em sua casa. “Não é até que algo assim aconteça que você percebe o quão precária é a sua vida”, diz ele. Não sendo adivinho, no ano passado ele gastou suas economias em reformas de casas. Sem nada no banco, ele recebeu um cheque de 500 libras da mãe.

Por mais divertido que seja curtir no conforto da sua casa seleções de Disco e House de Brewster, a experiência não pode ser comparada ao ver ele – ou qualquer um – tocando música ao vivo. Não é a mesma coisa, nem dá para comparar o clima envolvente e um sistema de som que mexe com você por dentro.

As doações proporcionaram um pequeno alívio bem-vindo a Brewster, o suficiente para cobrir as despesas semanais com comida, mas para artistas maiores, a transmissão ao vivo se tornou uma oportunidade de se conectar com os fãs mais intimamente do que em um palco de um estádio.

Os tons deliciosos de John Legend são ainda mais impressionantes quando próximos. Eles também são um meio de alcançar aqueles normalmente bloqueados em locais tradicionais, seja por causa de deficiência, local ou limitações financeiras, que abrirão novos mercados no futuro. “O mais difícil para um artista é criar um novo fã”, diz Cory Riskin, agente global de música da APA. “Tradicionalmente, fazemos festivais, mas vimos que esses festivais virtuais são a melhor maneira de atrair novos fãs rapidamente”.

DJ e escritor Bill Brewster
(foto: Bella Fenning)

Embora claramente nunca haja um bom momento para uma pandemia global, o coronavírus chegou exatamente quando a indústria da música parecia estar finalmente se adaptando à era do streaming: 2019 foi o quinto ano consecutivo de crescimento e apenas os três principais selos – Universal, Sony e Warner – agora geram quase US $ 800.000 por hora somente com serviços de streaming de música. Mas enquanto os ricos ficam mais ricos, os independentes sofrem.

“Temos um problema em que muita música e arte são essencialmente gratuitas e os artistas recebem uma quantia muito pequena de dinheiro pelo trabalho em que investem toda a sua energia e idéias”, diz McMahon. “Parece que o valor da arte foi desrespeitado pelas empresas que podem ganhar muito dinheiro e distribuir uma quantia muito pequena aos criadores desta arte. Com o atual isolamento social, destacam as estruturas capitalistas em que operamos e como os artistas, juntamente com muitos outros colaboradores da sociedade, são aproveitados.”

Niko Seizov, manager de artistas que trabalha com música eletrônica, acredita que o desbaste do rebanho é inevitável. “À medida que sua renda desaparece, muitos artistas menores precisam começar a procurar empregos, o que os impede de dedicar tempo suficiente a atividades criativas”, diz ele. “Isso prejudicará a indústria da música, porque o progresso criativo e a revolução sempre começam do fundo.”

[blockquote style=”3″]”Isso prejudicará a indústria da música, porque o progresso criativo e a revolução sempre começam do fundo”[/blockquote]

Stanley Dodds, violinista que se juntou a Rattle no palco em março, complementa um salário básico da Berliner Philharmoniker trabalhando como maestro freelancer. Ele viu sua renda cair “imediata e brutalmente”. Ele tem sorte de que a orquestra continue pagando a ele à medida que a crise se desenrola, mas a maioria de seus colegas é freelancer sem rede de segurança.

O Covid-19 pode catalisar a reforma em benefício daqueles que a realizam. Os músicos pediram ao Spotify que triplicasse os pagamentos para cobrir a receita perdida de shows, o que aumentaria a fatia, embora seja improvável que qualquer plataforma de streaming ofereça significativamente mais a longo prazo – o Spotify ainda era pouco rentável no início do ano, e rivais como a Apple Music são basicamente líderes em perdas, projetados para atrair mais usuários para seu ecossistema (como Tim Cook, da Apple, colocou em 2018, “não estamos fazendo isso por dinheiro”).

[blockquote style=”3″]“O mais difícil para um artista é criar um novo fã. Tradicionalmente, fazemos festivais, mas vimos que esses festivais virtuais são a melhor maneira de atrair novos fãs rapidamente.”[/blockquote]

É mais viável que a pandemia acenda uma discussão sobre os contratos de gravação. Embora os serviços de streaming tenham reformulado o vínculo entre varejista e gravadora, a relação artista-gravadora pouco mudou desde os anos setenta.

Os acordos de gravação tradicionais pagam aos artistas uma base de royalties, entre 15 e 20%, com o restante mantido para cobrir itens como marketing, custos de produção e as próprias necessidades de lucro da gravadora. Mas, como diz um executivo, em uma época em que as receitas com royalties caíram, elas são “antiquadas” e impedem muitos artistas de gerar dinheiro real a partir de suas gravações. As gravadoras independentes estão adotando acordos de artistas mais transparentes e personalizados há algum tempo, e o Covid-19 “agitará todo mundo e mostrará que todos precisamos olhar para eles”.

Mesmo que os artistas acabem ganhando mais dinheiro com a música que produzem, a curto prazo, pelo menos, pouco disso fluirá para a indústria que depende de seu trabalho. Exemplo disso é Jono Steer, um engenheiro de som que ia se juntar a McMahon em sua turnê. O engenheiro está na indústria da música há 20 anos e começou a trabalhar com McMahon em sua primeira turnê nacional em 2018. Desde então, ele se tornou um elemento principal em sua equipe, trabalhando em 200 shows. Além de seu papel como engenheiro de FOH de McMahon, Steer também é seu motorista e manager de turnê.

Os cancelamentos atingiram Steer com força; 60% de sua renda são provenientes de eventos ao vivo. Bandas maiores podem se dar ao luxo de continuar pagando o salário para sua equipe de turnê, com contratos que a protegem de cancelamentos, mas os artistas no início de suas carreiras tendem a pagar sua equipe no dia do show, no dia da viagem e na diária. Mesmo uma pequena turnê exige de tudo, desde roadies a engenheiros de iluminação e técnicos de som, mas poucos têm contratos executáveis em vigor. Quando os shows não acontecem, eles não são pagos.

“Todos os meus colegas foram afetados”, diz Steer, “e alguns não têm perspectiva de mais trabalho durante o ano inteiro”. Essa indústria de profissionais “da graxa”, termo que se usa para nomear os profissionais dos bastidores, é invisível para a maioria dos fãs de música, mas sem eles, os shows não aconteceriam.

[blockquote style=”3″]”Devemos aprender com essa experiência e colocar em prática coisas que nos tornam menos vulneráveis no futuro”[/blockquote]

Existe uma preocupação real de que muitos terão que deixar o setor se a paralisação durar meses. Quando finalmente voltarmos a clubes e salas de concerto, pode não haver mais ninguém para configurar o som, ligar as luzes ou até mesmo fazer a segurança nas portas.

Steer pode voltar a produzir bandas em seu estúdio em casa, mas o isolamento social devido ao  Covid-19 significa que poucos podem ir pessoalmente em primeiro lugar. Muitos artistas também financiam seu trabalho de estúdio em turnê – sem a turnê, eles não podem pagar pelo estúdio. “Há muito menos dinheiro em toda a indústria no momento”, diz Steer. Sua renda total diminuirá em cerca de 70%, transformando-o em recebedor de benefícios do Governo da Austrália.

Assistência para o backstage

McMahon se ofereceu para pagar a sua equipe 50% do valor pelos shows que foram cancelados dentro de duas semanas, e os gigantes do setor também estão oferecendo assistência. A Live Nation Entertainment lançou um fundo inicial de US $ 5 milhões projetado para ajudar as equipes de turnê e local. Embora tenha poucas ações  para proteger contratantes independentes como o Steer no futuro, ele pode pelo menos pagar o aluguel no momento. Também poderia lançar as bases para novos arranjos no futuro. Um representante da agência de reservas explica que, como músicos de sessão, que geralmente são colocados em um retentor para garantir que não participem de outras turnês, os membros da equipe também podem ser contratados com um salário básico e constante.

Angie McMahon
(foto: Michele Grace Hunder)

Enquanto isso, Steer espera que o Covid-19 desencadeie uma estrutura mais ampla para proteger contratantes independentes, como ele. “Seja sindicalização, mudanças na legislação governamental ou financiamento mais acessível através de doações e subsídios, devemos aprender com essa experiência e colocar em prática coisas que nos tornem menos vulneráveis ​​no futuro”.

Ninguém sabe quando será esse futuro, mas, como o esporte, é provável que a música ao vivo seja uma das últimas coisas a serem permitidas quando o isolamento social acabar. Quando isso acontecer, a paisagem será estranha e enxuta. Nos primeiros meses, espere uma explosão de novos lançamentos, tanto os atrasados ​​pelo vírus quanto os criados enquanto os artistas foram trancados em suas casas. “Estou vendo uma energia criativa em nossa indústria que supera em muito qualquer coisa antes, não apenas no nível de ideias, mas na execução”, diz o publicitário musical Neil Bainbridge.

A princípio, os artistas encherão os locais de exibição que sobreviveram ao isolamento, mas talvez ainda não haja muitos. Os clubes e locais de shows do Reino Unido estão fechando a um ritmo horrível desde a Grande Recessão e o Covid-19 pode matar muitos dos que sobreviveram. Os relatórios sugerem que apenas 17% dos locais do Reino Unido estão financeiramente seguros pelos próximos dois meses, o que significa que mais de 500 espaços de shows podem ter fechado suas portas para sempre no início do isolamento social.

[blockquote style=”3″]”Estou vendo uma energia criativa em nossa indústria que supera em muito qualquer coisa antes, não apenas no nível de ideias, mas na execução”[/blockquote]

Os promotores também estão enfrentando perdas significativas. Normalmente, os seguros os cobririam, mas as apólices quase universalmente excluem doenças transmissíveis, a menos que sejam adquiridas especificamente, o que é “extremamente raro”, de acordo com um corretor. No início do ano, algumas seguradoras até removeram explicitamente o coronavírus de sua cobertura.

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Uma publicação compartilhada por Coachella (@coachella) em 10 de Mar, 2020 às 4:04 PDT

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Em março, o South by Southwest de Austin anunciou que seria responsável por todos os custos porque o ‘surto de doença’ foi excluído de sua cobertura de seguro. O festival de house e techno de Londres, Re-Textured, foi igualmente infeliz. Nenhum dos dois retornará em 2021.

Apresentações pagas

A peça final do quebra-cabeça é a relação entre artistas e fãs. Culpe o Spotify e uma indústria de discos canibalística, tudo o que você quiser, mas somos nós que colocamos os artistas no chão; que passamos a ver a música como algo que deveria ser gratuito, e não como arte que merece ser paga. Mas, expondo falhas sistemáticas e destacando meios alternativos de interação artista-público, o Covid-19 poderia mudar isso? Os artistas em dificuldades começaram a lançar músicas ou apresentações exclusivas disponíveis por uma taxa, e outros criaram oficinas de produção on-line. Essas são correções temporárias, mas fecham o ciclo entre criatividade e recompensa.

Enquanto os shows ao vivo, como a Berliner Philharmoniker (a Filarmônica de Berlim), proliferaram, a maioria deles foi beneficente ou livre para participação. Em algum momento, porém, os preços dos ingressos digitais parecem inevitáveis. Talvez à frente da curva, Erykah Badu cobrou alguns dólares para entrar na série Quarentine Concert. “Sempre houve um mercado para isso e, nesse isolamento social, as pessoas perceberam que é legal”, diz Marc Geylman, fundador da Cardinal Artists. “Eventualmente, acho que isso se tornará um negócio.”

[blockquote style=”3″]”Se você reconstruísse a indústria da música do zero, não a monetizaria do jeito que está atualmente”[/blockquote]

A Filarmônica de Berlim deu um passo nessa direção mais de uma década atrás. Em 2009, percebendo que a renda de suas gravações estava em queda, eles procuraram um novo meio de disseminar e monetizar seu trabalho existente. A resposta: Digital Concert Hall, uma plataforma, acessada através de uma assinatura paga, que permite aos fãs ver a transmissão de seus shows ao vivo e revisitar centenas de gravações, além de assistir a documentários e filmes bônus. Por enquanto, eles oferecem acesso gratuito, para que os fãs possam assistir as gravações enquanto a sala de concertos real está fechada.

É verdade que isso funciona melhor quando você está tentando capturar o ar refinado de uma sala de concertos – nenhuma apresentação musical em streaming pode se aproximar da energia suada de uma rave. Mas é um passo em uma nova direção, e você só precisa olhar para os shows, onde o público apóia os artistas com assinaturas e patrocínios através das plataformas Twitch e Patreon, para ver quão anacrônico é o modelo musical. “Se você reconstruísse a indústria da música do zero, não a monetizaria do jeito que está atualmente”, diz George Connolly, gerente de artistas da Young Turks.

Além disso, o Covid-19 também pode recalibrar nossa percepção do valor de um álbum. Nunca antes a fragilidade da música foi mais clara, e isso pode nos encorajar a apoiar os artistas comprando, em vez de transmitir, nossa música por meio de plataformas transparentes e amigáveis ​​aos artistas. “Em termos de dinheiro no bolso de um artista, a compra de um único álbum ou LP vale milhares de streams”, diz Josh Kim, COO da Bandcamp, uma plataforma na qual artistas e gravadoras independentes podem vender diretamente para seus fãs.

Simon Rattle encerrou seu show às 22h. Não havia filas nas portas, nem pressa para ir no banheiro. Não havia portadores de bilhetes ou barman zunindo, apenas uma pequena equipe de câmeras posicionada na frente e no centro, capturando todos os movimentos de Rattle – desde a última onda deslumbrante de seu bastão até seu arco habitual no final. Ele proporcionava uma visualização agradável, peculiar, mas emocionante, e nela reside o valor inerente dos dois lados da lente.

Refletindo sobre o isolamento social global, um usuário do Twitter descreveu o Covid-19 como uma “máquina da verdade”, na medida em que “expõe brutalmente” as deficiências na estrutura da música.

Um dia, transferiremos o Covid-19 do presente para o passado, e as engrenagens dessa máquina global de bilhões de dólares estarão em movimento mais uma vez. Os locais abrirão as portas, os artistas tirarão o pó dos passaportes e, mais uma vez, teremos música ao vivo e, com isso, uma nova apreciação por estar em uma sala cheia de estranhos loucos para experimentá-la.

Via Squire UK

Quando esse dia finalmente chegar, tudo será mais doce – mas nessa transição, precisamos aproveitar o que aprendemos com essa pausa. Se formos inteligentes, das cinzas surgirá uma indústria que funciona para todos. Porque Deus sabe que todos precisaremos dançar novamente.