Opinião: A desvalorização da música é pior do que você pensa

Artistas famintos foram afetados por muito mais do que apenas pirataria e royalties de streaming.

Autor: Craig Havighurst  

Em meus muitos (justificados) lamentos sobre a trajetória de sua profissão na era digital, compositores e músicos afirmam regularmente que a música foi “desvalorizada”. Ao longo dos anos, eles apontaram dois grandes culpados.

Primeiro, era a pirataria de música e a futilidade de “competir de graça”, mais recentemente, o foco tem sido os pagamentos aparentemente minúsculos que as músicas geram quando transmitidas em serviços como o Spotify ou o Apple Music.

Essas são questões sérias e muitos concordam que a indústria e os legisladores têm muito trabalho a fazer, mas pelo menos há diálogo e progresso em direção a novos modelos de direitos e royalties na nova economia da música.

Menos óbvias são várias outras forças e tendências que desvalorizaram a música de maneira mais perniciosa do que os problemas do hiper-suprimento e do jóquei entre as indústrias, e por música, não me refiro aos formatos populares de músicas que se vê em programas de prêmios e ouve em rádios comerciais, quero dizer música, a forma de arte sonora – composição criativa e conceitual e improvisação, enraizadas em idéias harmônicas e rítmicas.

Em outras palavras, a música como foi definida e considerada há quatro ou cinco décadas atrás, quando a música artística (incompleta, mas geralmente chamada de “clássica” e “jazz”) estava sentada à mesa.

Quando ouço compositores de hits de rádio censurarem seus pequenos pagamentos do Spotify, penso nos prodígios de jazz de hoje que não terão chance de sequer uma fração do sucesso popular da velha guarda, eles nem imaginam trabalhar em um ambiente musical que possa levá-los ao status de nome familiar da variedade Miles Davis ou John Coltrane.

Eles estão lutando contra as forças do próprio nexo de comércio, cultura e educação que conspiraram para tornar a música menos significativa para o público em geral. Aqui estão alguns dos problemas mais problemáticos que os músicos estão enfrentando no cenário atual do setor.

1. A morte do contexto

Os ecossistemas de música digital, começando com o iTunes da Apple, reduziram as gravações para uma imagem de capa do tamanho de um carimbo e três pontos de dados: Artista, Título da música, Álbum, como os comentaristas de música clássica há muito argumentam, esses sistemas fazem um mau trabalho com compositores, maestros, solistas e conjuntos, além disso, eles são desprovidos de contexto, embora existam biografias em cápsulas de artistas e compositores na maioria dos serviços, álbuns históricos são vendidos e transmitidos sem os créditos ou notas principais da era dos LPs e CDs. O círculo eleitoral de super-fãs que lêem e assimilam essas coisas é muito pequeno para merecer atenção dos serviços ou etiquetas digitais, mas o que se perde é a classe esperta que infunde a cultura com entusiasmo informado. Nosso ambiente digital de informações insuficientes não está conseguindo inspirar esses fãs, e isso é profundamente prejudicial à nossa ideia compartilhada sobre o valor da música nos dias de hoje.

P.s: Esses dados são de 2014 e atualmente já há mudanças na inclusão nos metadados dos artistas participantes da gravação das músicas.

2. Rádio Comercial

É um alvo fácil, mas não se pode exagerar o quão profundamente o rádio mudou entre a explosão da música popular em meados do século XX e o modelo corporativo dos últimos 30 anos, um ethos de musicalidade e descoberta foi substituído por uma manipulação cínica da demografia e o denominador comum mais brando. As listas de reprodução são muito mais curtas, com um punhado de singles repetidos incessantemente até os grupos focais desistirem, os DJs não escolhem mais a música com base em seus conhecimentos e não tecem mais uma narrativa em torno dos discos, tal como acontece com as notas explicativas, isso torna a audição mais passiva e reduz a dieta musical do ouvinte, chegando a um punhado de hits de escala industrial altamente produzidos e sem as suas individualidades admiráveis.

3. A Mídia

Na década de 1960, quando eu nasci, as principais publicações impressas levavam as artes a sério, cobrindo e promovendo talentos contemporâneos excepcionais em todos os estilos de música, assim Thelonious Monk foi parar na capa da revista TIME , por exemplo. Quando comecei a cobrir música para um jornal em  por volta de 2000, as histórias eram priorizadas pelo reconhecimento prévio do nome do assunto, as histórias de arte / descoberta eram subordinadas às notícias de celebridades em nível sistêmico, as métricas da indústria (posição de gráfico e venda de ingressos para shows) tornaram-se um grampo das “novidades” da música. Na era dos cliques medidos, o grupo de foco sempre institucionalizou a câmara de eco da música pop, estultificando e desencorajando um envolvimento significativo com a música artística.

4. Conflação

Uma peculiaridade pouco notada, porém corrosiva, da era digital é a maneira como nossas interfaces confundem a música com todas as outras opções de mídia e entretenimento. O iTunes começou usando software para coletar e tocar música e transformá-lo em uma plataforma para TV, filmes, podcasts, jogos, aplicativos e assim por diante, isso é um símbolo e uma causa do significado e importação cada vez menores da música no ataque multimídia que é a nossa cultura, as telas brilhantes que distraem as pessoas da música “ decentes ” já são onipresentes, então, por que impor a um music player? Eu acredito que uma das razões pelas quais o vinil e os fonógrafos estão retornando é que as pessoas com orientação musical desejam um santuário para a sua música – um dispositivo que é apenas para música, simples assim.

5. Anti-intelectualismo

Durante décadas, a música foi promovida e explicada quase exclusivamente como um talismã de emoção, e a questão esmagadora é como isso faz você se sentir.

A música artística tambem se refere à matemática, arquitetura, simbolismo e filosofia, esses tópicos foram menosprezados na imprensa em geral ou na televisão a cabo, e a nossa capacidade coletiva de se relacionar com a música através de uma lente de ciências humanas se atrofiou. Aqueles de nós que tinham música explicada e demonstrada para nós mesmos como um jogo para o cérebro e o coração tiveram muita sorte. Por que tantos estão satisfeitos em se envolver com a música apenas no nível raso do sentimento ?

6. Filmes e jogos

Nós, como cultura, ouvimos bastante música instrumental “clássica” ou composta, mas ela migrou da sala de concertos para o videogame e a trilha sonora do filme. Por um lado, isso oferece aos jovens compositores opções de vida, e algumas músicas muito boas estão sendo imaginadas para essas paisagens imaginárias, mas há um efeito pernicioso da onipresente trilha sonora da mídia, em que galáxias inteiras de idéias, motivos e humores musicais foram essencialmente ocupadas e transformadas em clichês. Como um jovem mergulhado no estrondo de Shostakovich de uma trilha sonora de um jogo de guerra  ou um filme de desenhos animados se comporta quando ouve Shostakovich real ? Isso deveria ser mais observado.

7. Música nas escolas

Tudo começa – ou termina – aqui. Como qualquer outra língua, as regras, os termos e a estrutura são mais facilmente absorvidos pelos jovens, e como a música foi cortada em mais da metade das escolas de ensino fundamental nos EUA em uma tendência longa e desgastante, a reação foi cada vez mais baseada em evidências sobre os efeitos da educação musical no desempenho acadêmico geral – o argumento ‘música torna as crianças mais inteligentes’, isso é verdade, mas tendemos a perder de vista o valor da música em nossa cultura – que a educação musical torna as crianças mais musicais, aqueles que internalizarem as regras e os ritos da música no início da vida estarão mais propensos a assistir a shows sérios e dar um ouvido mais astuto às suas escolhas de música pop quando adultos.

Aqueles que se preocupam com o futuro do negócio da música devem gastar menos tempo reclamando sobre interrupções digitais e gastando mais energia elevando a conscientização do público sobre música séria, porque realmente desvalorizamos a música quando reduzimos nossa forma de arte mais impactante a um mero artefato de arte. A música instrumental complexa ficou marginalizada a uma polegada de sua própria existência, e isso tem muito a ver com o povo da indústria definindo “valor artístico” da musica, com forma de como isso afeta o fluxo do dinheiro em suas contas bancárias.

Autor: Craig Havighurst  (medium.com)

Tradução e revisão feita por Marlon Porto (técnico de mixagens e masterizações da Promaster studios). Reportagem de 2015 mas ainda pertinente ao nosso momento atual.

Acesse o site para conhecer os serviços e cursos da Promaster Studios: www.promasterstudios.com

Autor: Marlon Porto

Técnico de mixagens e masterização do estudio Promaster, atua no mercado de masterização há seis anos, possui com alguns trabalhos de reconhecimento nacional como: EP de Ismael Tiso, Banda Compasso Lunnar, Quartetto Sentinela (2018) e banda Validuaté (2018). Sediado em São Paulo, o estúdio Promaster trabalha com softwares profissionais dedicados voltado para masterização e mixagens e também com summing analógico nos principais estúdios da capital. Contato para serviços de mix e masters (11) 9 7308-9909