Audio Profissional

Como montar seu home studio – Capítulo 21

Publicado

6 anos ago

04/09/2019

Por

Saulo Wanderley

Conheça o Impact, o synth de percussion do Studio One.

O Impact é um instrumento virtual do pacote do Studio One desde suas primeiras versões. Pode parecer uma bateria eletrônica comum, mas tem alguns truques escondidos na manga, truques que não são bem explicados ou não têm nada explicado.

Uma bateria eletrônica é um tocador de amostras otimizado para produzir sons de percussão e criar beats. A PreSonus juntou alguns kits no Impact e há outros criados por terceirizados disponíveis, como o MVP Loops e o The Loop Loft, mas fazer seus próprios kits é tão fácil quanto arrastar qualquer som do navegador do Studio One para os pads do Impact.

A edição de amostras do Impact inclui a exibição da forma de onda, mudança de velocity, corte da amostra e audição da amostra selecionada na barra de velocities

Uma amostra pode ser cortada para remover o silêncio do início ou do fim usando as configurações Offset Start / End embaixo da forma de onda. Pra fazer esses cortes à direita muitas vezes é preciso dar um zoom in / out nos dados, e o Impact esconde as ferramentas pra fazer isso. Uma barra longa e outra curta aparecem logo abaixo da forma de onda: a mais curta à direita define o tamanho da janela dos dados, enquanto a mais longa à esquerda move essa janela por todo o comprimento da amostra.

Cada pad do Impact pode disparar até 4 amostras diferentes, o que abre muitas possibilidades. O uso mais comum disso é para a mudança da velocity. Talvez você queira amostras de uma caixa sendo tocada muito de leve (pp), bastante de leve (p), com mais força (f) ou muito alta (ff). Para adicionar amostras nos pads basta manter pressionada a tecla Shift enquanto arrasta e solta a amostra no pad. Cada mostra vai ser adicionada à extremidade mais forte das faixas de velocity, então cuidado pra que elas fiquem adicionadas na ordem certa, arrastando a partir do toque mais leve até a mais forte. Uma amostra pode ser removida clicando na sua barra de velocity e depois no botão de “ – “ (menos) à direita.

Por padrão, todos os valores de velocity são divididos por igual nas amostras do pad. O alcance de cada bloco fica visível na barra acima da forma de onda. Clicando na barra específica de velocity, a amostra é atribuída ao tipo de toque que você clicar. Acontece que intervalos de velocity iguais para cada amostra não são bons na prática para imitar percussão de verdade. É melhor que poucas peças tocam com valores de velocity muito leves ou muito fracas, enquanto a maioria das peças usa as velocities do meio. Os melhores tamanhos variam dependendo do som, do controlador, do gênero musical e do jeito de tocar. Dessa forma é melhor personalizar as velocities para cada amostra. Basta arrastar os limites de cada faixa de velocity na sua barra de valores de velocity.

Mas nem só para as velocities é útil ter várias amostras em um só pad, o que nos leva a um outro truque do Impact. Clique no campo Layer Mode no canto inferior direito da janela do Impact e você verá que a velocity é só uma de 3 formas que o Impact usa para reunir amostras em um pad.

Round Robin apenas passa pelas amostras, soando o próximo da lista de peças antes de voltar para o primeiro e assim por diante. Você não precisa ter 4 amostras em cada pad, podem ser só 2, de modo que o pad alterna entre elas. Por exemplo, se poderia carregar um prato de condução e uma cúpula de chimbal para fazer uma marcação de notas de meio-tempo. Aí então eu só precisaria programar as notas de 1/2 tempo para ter uma parte com o chimbal nos meios-tempos e o prato nos tempos.

A outra opção do Layer Mode é Random, um modo no qual cada toque será feito por uma das amostras escolhidas aleatoriamente, o que pode ser útil apenas para introduzir uma variedade diferente usando a sensibilidade de velocity.

Mesmo sendo o Impact dirigido para sons de bateria e percussão, você pode carregar qualquer amostra desejada nos seus pads. Uma carga de amostras mais longas faz o Impact funcionar como um sistema de gatilhos disparando playbacks. Não foi medido o tamanho máximo de cada amostra aceita, mas para fazer isso há algumas a saber sobre o bloqueio de controles na parte de baixo à direita da janela do Impact.

A dica para usar amostras longas no Impact é o controle deslizante Decay, que deve estar todo para cima para tocar uma amostra muito longa

O campo Play Mode tem um menu com 4 opções:

One Shot Poly – toca toda a amostra, com gatilhos adicionais tocando cópias

One Shot Mono – toca toda a amostra, com gatilhos adicionais cortando e recomeçando a tocar

Toggle – a primeira mensagem Note On começa a tocar a amostra e a próxima pára

Note On / Off – a mensagem Note On toca a amostra e uma mensagem Note Off pára

O que estes modos todos têm em comum é que eles permitem a reprodução de toda a amostra, mas o comprimento da reprodução é de fato determinado pelos controles de envelope AHD na seção do amplificador logo acima

Por isso, você poderia pensar que para reproduzir uma amostra de 2 minutos de duração, você precisaria apenas deslizar o controle deslizante Hold (H) até o final, onde exibe um valor de tempo de espera infinito. Mas na verdade isso só permite a reprodução de 10 segundos. Aqui entra o truque: deslize o controle deslizante Decay (D) até o topo. Assim posso dizer quanto tempo a amostra vai tocar

O Impact não tem todos os recursos de processamento do synth Presence do Studio One, e muito menos a edição e o processamento de um sampler completo, como o MOTU MachFive 3 ou o Kontakt. mas tem alguns recursos espertos de modelagem de amostras. Um deles é o filtro multimodo em cada bloco, oferecendo 3 variações diferentes: passa-baixas (frequências), passa-altas e passagem de banda.

O filtro para cada pad pode ser selecionado a partir de 9 tipos de filtros diferentes

O usos destes filtros em amostras de bateria, combinado com o envelope e as modulações de velocity pode produzir sons interessantes. Por exemplo, arrastei um par de caixas direito/esquerdo em um pad, apliquei um filtro de passagem de banda para cortar apenas a amostra da esquerda, e coloquei o pan ligeiramente para os lados, apenas fora do centro. O filtro passa-altas também pode produzir variações de uma amostra, o que faz este recurso dos filtros ser útil quando se tem apenas uma amostra de um som.

Outro recurso esperto é o campo Stretch Factor no canto inferior direito. Ele é na verdade um controle da taxa de reprodução, um multiplicador de andamentos. Você pode defini-lo entre um intervalo de 10 vezes a velocidade normal até 0,1 (10 vezes mais lento do que a velocidade normal). Experimente configurá-lo em 3 ou 4 para uma amostra de prato. O Stretch Factor parece ser o único parâmetro além do início e fim da amostra que pode ser definido com base por amostra, em vez de uma base por pad.

O Impact exige pouca potência do processador, o que abra as portas para o uso de múltiplas instâncias. Uma instância pode ser dedicada à caixa: toques de mão esquerda e direita, na borda, na lateral, escovas, rolos, os rudimentos de caixa. Uma segunda instância pode ser para o chimbal.

Tem gente que faz beats adicionando peças enquanto uma sequência acompanha. O comando Track -> Transform -> Transform to Audio Track captura o que você gravou dessa forma. Quando estiver pronto para fazer a mixagem final, escolha o comando Event -> Explode Pitches to Tracks para processar e mixar cada peça separadamente. Isso também facilita o arquivamento das peças, transformando cada faixa em áudio quando o projeto estiver pronto.

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Audio Profissional

Palmer atualiza sua linha de controladores de monitor com a série MONICON

Publicado

5 dias ago

15/12/2025

Por

Redação M&M

Quatro modelos analógicos redesenhados para um controle de escuta mais preciso em estúdios de todos os tamanhos.

A Palmer apresentou neste ano a série MONICON, uma nova geração de controladores de monitor analógicos que renova por completo uma família de produtos já consolidada em estúdios domésticos e profissionais.

Embora não seja um lançamento recente, a série já está disponível no mercado e se destaca pelo design modernizado, operação intuitiva e processamento totalmente analógico, sem latência ou conversão digital.

Voltada para músicos, produtores e engenheiros que buscam um controle confiável da monitoração — mesmo em espaços reduzidos — a linha é composta por quatro modelos: MONICON S, MONICON M, MONICON L e MONICON XL. Todos foram desenvolvidos do zero e são oferecidos em duas versões estéticas, com laterais na cor preta ou prateada, para combinar com o estilo de cada estúdio.

Quatro opções de acordo com a necessidade do usuário

MONICON S: Controlador de volume passivo ultracompacto, com conectores RCA, knob de grande tamanho e botão Mono. É uma solução simples para mesas pequenas ou setups multimídia.
MONICON M: Inclui funções de Mono, Atenuação e Mute, além de entradas e saídas versáteis (combo XLR/jack de 6,3 mm e minijack de 3,5 mm). Pensado para home studios que precisam de maior flexibilidade.
MONICON L: Controlador ativo/passivo com três entradas estéreo — incluindo Bluetooth estéreo com controle de volume independente —, duas saídas estéreo e uma saída mono/sub. Conta ainda com saída de fones de ouvido com controle próprio, seletor de entrada/saída com LED de status e função PFL.
MONICON XL: A opção mais completa para ambientes profissionais, com função de intercom, grande VU meter em LED, três saídas de monitoração e duas saídas de fones com controle de volume independente.

Monitoração clara e sem artifícios

Todos os modelos da série mantêm a filosofia da Palmer: caminho de sinal 100% analógico, sem latência e sem processos digitais. A nova interface facilita um uso rápido e preciso para mixagem, produção musical, streaming ou broadcast.

Segundo Viktor Wiesner, diretor sênior de produto em Pro Audio, esta geração nasce após anos de evolução no mercado: “Redesenhamos nossos controladores de monitor desde o início e os aperfeiçoamos ainda mais. Nossos clientes recebem quatro soluções sob medida para suas necessidades de monitoração, com máxima qualidade e a robustez que caracteriza a Palmer.”

palmer-germany.com

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Audio Profissional

Interfaces de áudio para iniciantes e Home Studios: Guia básico e modelos destaque

Publicado

1 semana ago

12/12/2025

Por

Redação M&M

No universo da produção musical caseira ou de projetos de podcast, uma interface de áudio é um dos componentes mais importantes.

Ela é a ponte entre microfones ou instrumentos e o computador, e determinará a qualidade do som que você grava e monitora. A seguir, explico o que considerar ao escolher uma interface, seus prós e contras e alguns modelos muito populares para começar.

Por que usar uma interface de áudio?

Melhor qualidade de som: Ao contrário das placas de som integradas à placa-mãe, interfaces externas oferecem pré-amplificadores dedicados, conversores AD/DA de maior qualidade e menos ruído.

Latência reduzida: Com drivers adequados (como ASIO no Windows), é possível gravar com atraso mínimo.

Entradas e saídas úteis: Permitem conectar microfones XLR, instrumentos, monitores de estúdio e fones de ouvido.

Alimentação phantom: Necessária para microfones condensadores, presente em muitas interfaces.

O que elas têm de bom e de ruim

Vantagens:

Controle profissional sobre o ganho do microfone.
Maior fidelidade nas gravações e no monitoramento.
Opções de expansão para mais entradas/saídas conforme o estúdio cresce.
Compatibilidade com softwares de produção (DAW).

Desvantagens:

Custo: uma boa interface pode representar parte importante do orçamento.
Curva de aprendizado: configurar ganho, sincronização e calibragem pode ser confuso no início.
Requer conexão física (USB, Thunderbolt), o que reduz a mobilidade em comparação a soluções mais simples.

Modelos recomendados para iniciantes e home studios

Alguns modelos são especialmente populares entre quem está começando, por equilibrar preço, qualidade e facilidade de uso:

Focusrite Scarlett 2i2: provavelmente a mais recomendada para iniciantes; inclui dois pré-amps, baixa latência e drivers estáveis.
Focusrite Scarlett Solo: opção minimalista com uma entrada — ideal para gravar voz ou guitarra sem complicações.
PreSonus AudioBox iTwo: duas entradas, construção robusta e boa compatibilidade com diversos DAWs.
Sonicake USB Interface: alternativa muito econômica para começar, ideal para projetos simples.

Outros modelos destacados segundo guias especializadas:

Audient iD4 MkII: muito elogiada por seu pré-amp de alta qualidade e facilidade de uso.
Universal Audio Volt 1 / Volt 2: indicada para quem busca um som mais “analógico”, com pré-amps que emulam válvulas.
Behringer U-Phoria UMC22 / UMC204HD: opções acessíveis e com boas funcionalidades para orçamentos apertados.
Tascam US-1×2: compacta, portátil e capaz o suficiente para gravações simples ou iniciar um home studio.

Dicas para escolher bem sua interface

Defina seu uso principal: vai gravar apenas voz? instrumentos? vários ao mesmo tempo?
Verifique a conectividade: USB atende à maioria, mas produções maiores podem exigir interfaces mais robustas.
Revise a latência: se pretende gravar ouvindo efeitos em tempo real, é essencial ter drivers de baixa latência.
Pense no futuro: se planeja expandir o estúdio, uma interface com mais entradas ou melhor conversão pode ser melhor investimento.
Analise o software incluso: muitas interfaces acompanham DAWs ou plugins; vale conferir o que vem no pacote.

Para quem está começando na produção musical ou no podcasting, investir em uma boa interface de áudio faz uma grande diferença.

As opções de entrada são cada vez mais potentes, acessíveis e fáceis de usar. Escolhendo uma interface adequada às suas necessidades, você constrói uma base sólida para seu estúdio em casa.

Com um pouco de paciência e prática, você terá gravações de alta qualidade e a flexibilidade para evoluir seu setup conforme avança.

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Audio Profissional

Projeto SOS Songs une IA e música para promover a saúde mental

Publicado

1 semana ago

11/12/2025

Por

Redação M&M

A plataforma analisa playlists do Spotify e propõe pausas de reflexão a partir de padrões emocionais na escuta.

O SOS Songs, criado pela agência Binder e lançado no Brasil em setembro, já alcançou pessoas em nove países além do Brasil — Estados Unidos, França, Portugal, China, Alemanha, Chile, Arábia Saudita, Áustria e Canadá — conectando tecnologia, empatia e música como ferramentas de sensibilização e cuidado.

A iniciativa surge em um cenário desafiador: o Brasil lidera os índices de depressão na América Latina. Segundo a Organização Mundial da Saúde (OMS), mais de 11 milhões de brasileiros convivem com a doença, muitas vezes de forma silenciosa, expressa em isolamento social ou mudanças sutis de comportamento.

Como funciona a plataforma

O SOS Songs usa a música como espelho emocional e a inteligência artificial como forma de escuta ativa. O sistema identifica usuários que costumam ouvir com frequência músicas tristes ou de baixa energia — um padrão associado a momentos de sofrimento emocional.

Dentro do próprio Spotify, essas pessoas recebem um spot de áudio convidando à reflexão sobre o que suas escolhas musicais podem estar comunicando. Ao clicar no banner, o usuário é direcionado para um hotsite onde, após um login simples, sua playlist é analisada por um sistema inteligente.

A tecnologia avalia atributos como energia, dançabilidade e tonalidade para criar um retrato simbólico do “clima emocional” da lista. O objetivo não é diagnosticar, mas favorecer a autopercepção e estimular escolhas que promovam maior equilíbrio emocional.

Com a autorização do usuário, a plataforma sugere playlists personalizadas com músicas mais leves e otimistas, transformando o momento de escuta em uma oportunidade de pausa e autocuidado.

Muito além da análise: orientação e apoio

Além do acesso direto pelo site sossongs.com, ouvintes que estiverem imersos em repertórios mais densos ou melancólicos podem receber banners e mensagens de áudio dentro do Spotify sugerindo uma pausa para reflexão.

O projeto também direciona o público para canais de apoio emocional, como o Centro de Valorização da Vida (CVV)no Brasil, reforçando a importância da escuta ativa e da busca por ajuda profissional sempre que necessário.

Com seu alcance internacional crescente, o SOS Songs demonstra como música e tecnologia podem atuar juntas para promover diálogos mais amplos sobre saúde mental e construir ambientes digitais mais sensíveis e acolhedores.

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