Como proteger madeiras, acabamentos e componentes em ambientes úmidos.

A conservação de instrumentos acústicos apresenta desafios específicos em regiões tropicais, onde a combinação de altas temperaturas e umidade constante acelera o desgaste de madeiras, cordas e partes estruturais. Dados citados por associações de luteria na América Latina indicam que níveis de umidade relativa acima de 70% podem causar deformações, perda de estabilidade tonal e falhas em colagens internas.

Umidade: o principal fator de risco

Em climas tropicais, a alta umidade afeta diretamente violões, guitarras acústicas, ukuleles, violinos, contrabaixos e instrumentos de percussão feitos de madeira. Entre os efeitos mais observados, luthiers destacam:

• Dilatação e retração das madeiras, causando trastejamento, abaulamento da tampa e alterações no braço.
• Enfraquecimento de colas e junções internas pela absorção de água.
• Envelhecimento acelerado das cordas e perda de definição tonal.

A umidade excessiva também favorece o surgimento de fungos, especialmente em instrumentos guardados por longos períodos em estojos fechados.

Controle ambiental: a medida mais eficaz

Especialistas recomendam manter a umidade relativa entre 45% e 55% como faixa segura para instrumentos acústicos. Para alcançar esse nível em regiões tropicais, as estratégias mais utilizadas incluem:

• Desumidificadores portáteis em salas de ensaio, estúdios e ambientes pequenos.
• Sacos dessecantes dentro de estojos rígidos.
• Evitar exposição direta a locais abafados, varandas ou ambientes sem climatização.

Ao contrário das regiões secas, o uso de humidificadores internos não é indicado, pois pode agravar o excesso de umidade na madeira.

Temperatura e incidência solar

As variações térmicas influenciam diretamente o comportamento estrutural dos instrumentos. Temperaturas altas podem amolecer colas e afetar acabamentos. As recomendações incluem:

• Não deixar instrumentos dentro de veículos.
• Evitar exposição prolongada ao sol em ensaios ao ar livre.
• Manter estojos afastados de fontes de calor e paredes externas.

Armazenamento seguro em regiões tropicais

A forma de guardar o instrumento tem impacto direto em sua estabilidade:

• Estojos rígidos oferecem proteção superior a capas, reduzindo a influência de variações ambientais.
• Armazenar o instrumento na posição vertical diminui a pressão sobre a tampa e o braço.
• Em áreas costeiras, técnicos recomendam revisão semestral de ferragens devido ao risco de corrosão salina.

Manutenção periódica

Um cronograma de manutenção ajuda a prevenir danos e prolonga a vida útil:

• Inspeção do ângulo do braço e do estado da ponte.
• Lubrificação discreta de tarraxas e verificação dos trastes.
• Limpeza com pano seco e produtos neutros, evitando ceras ou óleos inadequados.
• Troca regular de cordas, que se deterioram mais rapidamente em ambientes úmidos.

No caso de instrumentos de percussão, como congas e bongôs, o cuidado com peles naturais é essencial, já que absorvem umidade com facilidade.

Por que o clima tropical exige atenção constante

Luthiers de vários países observam que a degradação em climas quentes e úmidos ocorre de forma cumulativa. Pequenas variações diárias de temperatura e umidade modificam continuamente o comportamento das madeiras, exigindo monitoramento frequente e estratégias preventivas mais rigorosas do que em regiões de clima seco ou temperado.

A produção musical vive um dos momentos mais dinâmicos de sua história.

Nunca houve tantas ferramentas disponíveis, tantos criadores ativos nem tantas oportunidades para que uma música chegue a públicos globais. Mas, ao mesmo tempo, o mercado é competitivo, em constante mudança e exige habilidades que vão muito além de saber usar uma DAW.

Nesse contexto surge a pergunta: vale a pena estudar produção musical hoje? A resposta é sim, mas com nuances. E aqui exploramos o porquê.

A democratização do estúdio caseiro mudou o cenário

Há 20 anos, produzir uma música exigia estúdios caros e equipamentos inacessíveis para a maioria. Hoje, com um notebook, um par de monitores e um bom conjunto de plugins, qualquer pessoa pode começar a criar músicas do próprio quarto.

Isso gerou dois efeitos importantes:

• Mais oportunidades de expressão criativa, independentemente do orçamento.
• Maior concorrência, já que milhares de novos produtores sobem músicas todos os dias.

Estudar produção é hoje uma forma de se destacar em meio a uma multidão de criadores.

A formação profissional continua sendo uma vantagem

Embora muitos produtores sejam autodidatas, a educação formal — seja uma graduação, pós, curso especializado ou certificação — oferece algo que o YouTube não consegue entregar sozinho:

• Bases sólidas de teoria e áudio
• Ferramentas de análise crítica
• Metodologias de trabalho
• Feedback profissional
• Contatos importantes na indústria

Em um mercado saturado, conhecimento profundo ainda é um fator que abre portas.

A indústria musical é maior do que nunca

O streaming impulsionou um crescimento recorde na música global. Isso abriu novas frentes para produtores:

• Música para artistas
• Música para games
• Publicidade e conteúdo digital
• Trilhas para cinema e TV
• Criação de samples e libraries
• Educação musical online

O produtor de hoje não trabalha apenas em álbuns: ele atua em ecossistemas de áudio.

A demanda por habilidades híbridas está aumentando

Estudar produção musical hoje não significa apenas aprender a gravar uma voz. A indústria precisa de profissionais que dominem várias competências:

• Beatmaking
• Mixagem e masterização
• Edição de áudio e correção vocal
• Programação MIDI
• Design de som
• Música para multimídia
• Gestão de projetos
• Distribuição e marketing digital

Quem se prepara bem pode ocupar múltiplos papéis e gerar renda diversificada.

Inteligência Artificial: ameaça ou ferramenta?

A chegada de ferramentas de IA generativa — como assistentes de mixagem, composição e masterização automática — gerou muitos debates.

Mas a realidade é clara: a IA não substitui produtores; substitui quem não agrega valor criativo.

Estudar, entender e dominar essas ferramentas permite:

• Trabalhar mais rápido
• Experimentar mais
• Melhorar a qualidade das demos
• Reduzir o tempo de edição
• Otimizar fluxos de trabalho

Quem aprender a integrar a IA ao próprio processo estará melhor posicionado.

E a parte econômica?

É uma pergunta legítima: dá para viver de produção musical?

Sim, mas nem sempre por um único caminho. Produtores bem-sucedidos normalmente combinam:

• Trabalho com artistas
• Serviços de mix e master
• Comissões para cinema, TV e publicidade
• Criação de beats e sample packs
• Conteúdo educacional (aulas, cursos, Patreon)
• Apresentações ao vivo
• Trilha e sound design para games

O erro é pensar que produção musical se limita a “fazer músicas para outros”. Hoje é uma profissão com vários modelos de negócio.

Então… vale a pena estudar produção musical hoje?

Definitivamente sim, desde que exista:

• Motivação real
• Disciplina para praticar
• Abertura para aprender novas tecnologias
• Disposição para se adaptar a diferentes mercados
• Paciência para construir uma rede e uma reputação

A produção musical é uma carreira criativa e técnica, mas também um caminho de aprendizado contínuo. Quem se capacita e se mantém atualizado encontra um espaço sólido em uma indústria em expansão.

Estudar produção musical é um investimento em um futuro criativo

A música continua sendo uma necessidade humana, e os produtores são quem dão forma a essa expressão.


Com a preparação certa, o produtor de hoje tem mais oportunidades do que nunca para deixar sua marca, viver da própria arte e construir uma carreira sustentável.

A música sempre fez parte da vida de Val Santos. Mas foi em um momento inesperado — e profundamente humano — que sua trajetória artística encontrou o caminho da musicoterapia.

Convidado para um simples show de voz e violão, Val chegou ao local e descobriu que o público era formado por pessoas neurodivergentes de um Núcleo Terapêutico. Em vez de apenas cantar, pediu um microfone, se aproximou e começou a fazer música com eles.

Foi o início de uma experiência coletiva que mudaria sua carreira. “Aí nasceu a Vivência Musical”, lembra. “Eu percebi como a música conecta, inclui e liberta. E quis entender isso profundamente.”

Hoje, Val une técnica, sensibilidade e propósito para transformar vidas por meio da musicoterapia — da infância à terceira idade.

A infância como terreno fértil para a música

A musicoterapia tem um impacto profundo no desenvolvimento infantil, especialmente no campo cognitivo e emocional. Val explica que, para as crianças, a música é mais do que entretenimento: é um espaço seguro para sentir, experimentar e se expressar. “Ela ajuda na autorregulação emocional, reduz ansiedade e fortalece a autoestima. Quando a criança percebe que participa ativamente, que consegue acompanhar um ritmo ou inventar uma melodia, ela se sente capaz.”

Do ponto de vista cognitivo, os benefícios são igualmente impressionantes: concentração, memória, organização de pensamento e raciocínio sequencial.

Ele cita o grupo de atendimento do projeto Vivência Musical — a Mari, o Dudu e o David — que apresentam uma memória musical extraordinária. “Eu toco a melodia e eles identificam a música. Isso estimula intensamente o cérebro”, destaca.

No ambiente escolar, a música também se torna ferramenta de inclusão. Fazer música em grupo — seja com instrumentos, voz ou até percussão corporal — convida ao respeito, à escuta e ao trabalho coletivo. A diversidade se transforma em harmonia.

A terceira idade e o reencontro com a própria história

Entre idosos, principalmente aqueles com Alzheimer ou outras demências, a música ganha o papel de “cápsula do tempo”. “Ela acessa memórias que outras terapias não alcançam”, afirma Val. Uma canção pode resgatar lembranças afetivas, despertar emoções profundas e até retardar o declínio cognitivo.

A musicoterapia também reduz ansiedade, agitação e isolamento — problemas comuns em quadros de demência. No grupo, o ato de cantar ou tocar gera acolhimento e reconexão.

O repertório ideal é aquele que respeita a história sonora do paciente, conceito que os musicoterapeutas chamam de ISO — Identidade Sonora.


Para muitos idosos brasileiros, músicas das décadas de 1940 a 1960, serestas, boleros e sambas da velha guarda são portais para momentos felizes. Francisco Alves, Lupicínio Rodrigues, Orlando Silva e Pixinguinha são presenças constantes nas sessões.

Musicoterapia como ferramenta de inclusão

Seja em escolas, instituições ou comunidades, a musicoterapia ajuda a construir pontes. Para pessoas com deficiência, a música estimula comunicação, expressão, criatividade e socialização — mesmo quando a linguagem verbal não está disponível.

Para quem tem deficiências físicas ou neurológicas, a música também atua como recurso motor e cognitivo, apoiando a reabilitação.

Mas trabalhar com grupos tão diversos é desafiador. Val destaca diferenças etárias, barreiras de comunicação, conflitos, gostos musicais distintos e necessidades individuais muito específicas.
Ainda assim, a música abre caminhos: “É ela que vence o preconceito, que aproxima, que traduz emoções que não cabem em palavras.”

Os desafios da musicoterapia no Brasil

Apesar de ser uma prática integrativa reconhecida pelo Ministério da Saúde, a musicoterapia ainda luta por maior compreensão e visibilidade.

Entre os obstáculos apontados por Val estão:

1. Falta de reconhecimento público: Ainda há confusão entre musicoterapeuta, professor de música e músicos que atuam em espaços de saúde. A sociedade nem sempre entende que a musicoterapia tem bases científicas e não é apenas recreação.
2. Questões com planos de saúde: Mesmo com avanços da ANS, há negativas de cobertura — especialmente em tratamentos para pessoas autistas. A burocracia e o custo privado das sessões também dificultam o acesso.
3. Inserção limitada no SUS: Ainda que esteja prevista na Política Nacional de Práticas Integrativas e Complementares, a presença da musicoterapia no sistema público é pequena e desigual.

Uma mensagem de esperança

Para Val Santos, a musicoterapia é muito mais que uma técnica: é um encontro humano.

Sua mensagem final é clara e comovente: “Não desistam do tratamento. Investir em musicoterapia é investir no ser humano, em seu desenvolvimento e em seu bem-estar emocional. A música acolhe a todos, sem distinção. Ela não conhece preconceitos — ela convida à conexão e ao autoconhecimento.”

Em um mundo cheio de ruídos, a musicoterapia se torna esse espaço possível: onde cada som encontra significado, e cada pessoa encontra um lugar para ser ouvida.